28 de Deciembre de 2015 – 1 de Marzo de 2016

La NH Galería da la bienvenida al nuevo año con una importante selección internacional de obras en diversos formatos entre las que se encuentran piezas de Natalia Arias, Álvaro Barrios, Beatriz González, Julie Hedrick, Mari Paz Jaramillo, Julio Larraz, Adriana Marmorek, Vik Muniz, Alejandro Obregón, Ruby Rumié, Niki de Saint Phalle, Julian Schnabel y Sophia Vari entre otros.

Los artistas que aquí coinciden lo hacen con puntos de incidencia que abren las puertas a la versatilidad en el entendimiento del arte contemporáneo. Partiendo del sentido del humor apasionado del colombiano Álvaro Barrios, el pop japonés de Takashi Murakami, y las explosiones de color de Niki de Saint Phalle, el recorrido pasa poco a poco adentrarse en los sinuosos caminos de la erótica de Adriana Marmorek, acompañada en este viaje por la sensualidad de las piezas de Maripaz Jaramillo, así como por la feminidad misteriosa que envuelve la obra de Natalia Arias.

Siguiendo los caminos del Pop representados en esta exhibición, encontramos obras de la artista Beatriz González, cuyas experiencias imbuidas en la búsqueda artística e histórica (Vive La France, 1979) conectan inevitablemente con las obras del brasileño Vik Muniz (Pastorales Tahitiennes After Paul Gauguin [From Pictures of Pigment], 2005).

El paso por la abstracción se hace visible con las obras serenas y profundas de la artista canadiense Julie Hedrick (Blue Om, 2009), así como en los lienzos de Alejandro Obregón,  Julian Schnabel y Guillermo Wiedemann, y en las pinturas y relieves de Sophia Vari (L'Etendu du Silence, 2014).

Transitando finalmente por los campos del arte conceptual, y como anticipo de la próxima participación de NH Galería en Art Paris, las exquisitas vasijas de Ruby Rumié nos transportan al barrio de Getsemaní y al taller que allí llevó a cabo la artista cartagenera, materializando la práctica artística tras partir de un contexto de profundo conflicto.

Con esta exposición, NH Galería mantiene el empeño por enriquecer el diálogo artístico internacional desde el contexto inigualable del centro histórico de Cartagena de Indias, sirviendo como plataforma tanto de despegue como de desarrollo para artistas colombianos e internacionales. Cada obra y artista, con su singular gesto y estilo, incita al espectadora reflexionar sobre los distintos campos del arte contemporáneo actual, pasando desde la tempestad vibrante de las escenas de Marmorek, al volumen sosegado de los relieves de Vari.

NH Galería welcomes the New Year with an important international selection of works in different formats, with works by Natalia Arias, Álvaro Barrios, Beatriz González, Julie Hedrick, Mari Paz Jaramillo, Julio Larraz, Adriana Marmorek, Vik Muniz, Alejandro Obregón, Ruby Rumié, Niki de Saint Phalle, Julian Schnabel and Sophia Vari among others.

The artists that meet here do so with impact points that open the doors to versatility in the understanding of contemporary art. Starting with Colombian artist Álvaro Barrios’ passionate sense of humor, Takashi Murakami’s Japanese Pop, and Niki de Saint Phalle’s color explosions, the itinerary of the exhibition starts to penetrate into the winding paths of Adriana Marmorek’s erotica, accompanied in this voyage by Maripaz Jaramillo’s alluring pieces, as well as by the mysterious femininity that surrounds Natalia Arias’s work.

Following the path of Pop represented in this exhibition, we will find works by artist Beatriz González, whose historically and artistically infused experiences (Vive La France, 1979) connect inevitably with the works by Brazilian Vik Muniz (Pastorales Tahitiennes After Paul Gauguin [From Pictures of Pigment], 2005).

The passage through abstraction is made visible on the peaceful and profound works of Canadien artist Julie Hedrick (Blue Om, 2009), as well as on the canvases by Alejandro Obregón, Julian Schnabel and Guillermo Wiedemann, and Sophia Vari’s paintings and reliefs (L'Etendu du Silence, 2014).

Walking through the fields of conceptual art, and as a preview of NH Galeria’s upcoming participation in Art Paris, Ruby Rumié’s exquisite vases take us to the neighborhood of Getsemaní, and to the workshop conducted by the Cartagena-born artist, materializing the artistic practice after starting in a context of deep conflict.

With this exhibition, NH Galería keeps its determination in enriching the artistic international dialogue within the incomparable context of Cartagena de Indias’ historical city center, working as a platform of both takeoff and development for Colombian and international artists. Each work and artist, with their unique gesture and style urges the spectator to meditate about the different fields of today’s contemporary art, going from the vibrant turmoil of Marmorek’s scenes, to the soothing volumes of Vari’s reliefs.

ADRIANA MARMOREK - Ensayos para objetos de Deseo
2 de julio – 11 de noviembre del 2015

"¿Por qué persistes, incesante espejo?
¿Por qué duplicas, misterioso hermano,
el movimiento de mi mano?
¿Por qué en la sombra el súbito reflejo? (...)"

- Fragmento de Al Espejo, Jorge Luis Borges

Adriana Marmorek muestra su obra por primera vez en la NH Galería de Cartagena de Indias. Ensayos para objetos de deseo llega a Cartagena introduciendo la modernidad de la "Arquitectura del deseo", un concepto evolutivo y contemporáneo que define los parámetros de la actividad creativa de la artista colombiana.

En la brillante carrera de Adriana Marmorek hay una clarísima línea de trabajo, una marca personal que avanza y se desarrolla en torno al deseo y el placer. Su discurso no se limita al elemento erótico, sino que incorpora también elementos sociales, históricos y humanos, fundamentalmente relativos al imaginario occidental y a su cuestionamiento. Todos estos elementos componen lo que ella define como Arquitectura del deseo.

Ensayos para objetos de deseo consiste en cinco instalaciones individuales que analizan el deseo desde el elemento crucial del espejo y a través de la intervención directa del espectador en la obra. El espejo se sirve como conducto de voyerismo, vigilancia, autoanálisis y reflejo, confluyendo en él siglos de tradición artística y de asimilaciones socioculturales. La acción participativa del espectador contribuye a la creación última y la completa. "El Rey Rojo fue parte de mi sueño..., pero también es cierto que yo formé parte del suyo (...)," dice Alicia en A través del espejo y lo que Alicia encontró allí (Lewis Carroll). 

La instalación Construcción sensible  (2006) incita al espectador a tomar un papel activo y sensual e introducirse en un lugar en el que pierde el sentido de la realidad y del espacio. Además, Marmorek incentiva la evocación personal a través de pequeños botones pegados en el guateado de los suaves paneles rojos, hechos con fotografías de ojos y partes del cuerpo que miran al espectador mientras este está mirando. 

En sus Cofres (2007), la artista repite la provocación, obliga al espectador a acercarse y husmear, a tomar la iniciativa y asomarse al otro lado del espejo. Marmorek propone una visión del ser humano que alude a su naturaleza fisgona. En el escudriñar está la posibilidad del conocimiento, del encuentro con lo nuevo o incluso con lo que está semi-oculto.

A través de Espejo de vigilancia (2007), Marmorek aborda la condición de inspección y control que tiene lo especular. Utiliza una relación simbiótica visual entre dos espejos convexos de seguridad, sin la cual sería imposible componer la imagen que emerge de ellos.  El espectador vuelve a componer la imagen por sí mismo en Anverso (2006). En ella hay una yuxtaposición de imágenes fragmentadas que componen una sola. De nuevo, se produce en ambos trabajos un elemento estimulante de empuje y aproximación a la obra, a participar en ella.

Con Ensayo para un objeto de deseo (2007-08), Marmorek consume el discurso de creación por asociación entre artista, pieza y espectador. Se trata de un praxinoscopio en el que el propio público arma el movimiento de la imagen, produciendo una construcción fotográfica mental. 

Abriendo puertas al discurso cíclico, Besos Guardadoses un proyecto en desarrollo permanente, en el que se recolectan en tubos de ensayo los distintos significados de un beso. Estos tubosadquieren después las formas del beso descrito. Así, los vidrios se convierten en el propio beso, en reliquias que son objeto de deseo.

En el texto Espejos de vigilancia, el crítico y curador Ricardo Arcos-Palma dice:  "Las fotografías de Adriana Marmorek devienen verdaderos objetos donde el caracter especular abre una brecha frente a nuestro propio deseo, hecho mirada." Es ese espacio especular el que toma dimensión en NH Galería, invitando a entrar en un sueño de creación y ofreciendo una oportunidad única de experimentar un arte vivo, en total conexión con la artista y con nuestro propio ser.

Adriana Marmorek nació en Bogotá en 1969. Desarrolló su carrera profesional en torno a la publicidad y a la televisión, de donde más adelante tomaría elementos para repensarlos desde la práctica artística. Obtuvo su Maestría de Artes Plásticas y Visuales en la Universidad Nacional de Colombia. Su obra ha sido expuesta en distintos museos e instituciones, no sólo a nivel nacional sino también en países como Ecuador, Argentina, Italia, Bélgica, Austria y EEUU. Sus obras están representadas en varias colecciones públicas y privadas. En 2007 participó en el Salón de Arte Joven-Artecámara, y en 2010 fue nominada para el Premio Bienal de Arte de Bogotá. Representó a Colombia en la feria ARCO Madrid 2015. 

CONTACTO PARA MAYOR INFORMACION
Sara Angel, 575-6640561 o nhgaleria@gmail.com

"Why is it you persist, incessant mirror? 
Why do you, mysterious brother,
Replicate the motion of my hand?
Why does the reflection suddenly erupt from the shadow? (…)

-        Fragment, To the Mirror, Jorge Luis Borges
 

Adriana Marmorek shows her work for the first time at NH Galería, in Cartagena de Indias. Ensayos para objetos de deseo (Tests for Desire Objects) comes to Cartagena introducing the modernity of her "Arquitectura del deseo" (“The Architecture of Desire”), an evolutionary and contemporary concept that defines the parameters of the Colombian artist’s creative activity.

In Marmorek’s brilliant career there is a clear line of work, a personal mark that evolves and flourishes around the concepts of desire and pleasure. Her artistic expression is not limited to the erotic element, but also incorporates social, historical and human elements fundamentally relative to the Western world’s imagination and to its questioning. All of these elements compose what she calls “The Architecture of Desire”. 

Ensayos para objetos de deseo consists in six individual installations that analyze the idea of desire, from the crucial element of the mirror to the direct intervention of the spectator in the work of art. Mirrors serve as a conduct for voyeurism, vigilance, auto-analysis and reflection, and as a converging element for centuries of artistic tradition and sociocultural assimilations. The spectators’ participating action contributes to the ultimate and utmost complete creation. "The Red King was part of my dream, of course—but then I was part of his dream, too!,” says Alicia in Through the Looking-Glass, and What Alice Found There (Lewis Carroll).

The installation Construcción sensible  (Sensitive Construction) urges the spectator to take an active and sensual role, by introducing himself in a place where he looses his sense of reality and space. Marmorek also encourages personal evocation by sticking small buttons to the soft red panels, made with photographs of eyes and body parts, which look at the spectator while he is looking at them.

In her Cofres (Chests), the artist repeats the provocation, forcing the spectator to come closer and examine, to take the initiative and look through the looking-glass. Marmorek presents an idea of the human being that refers to its prying nature. In our scrutinizing we find the possibility of the knowledge of, and encounter with, the new or even with what is semi-hidden.

Through Espejo de Vigilancia (Surveilance Mirror), Marmorek considers the examining and controlling condition of mirrors. She uses the symbiotic visual relationship between two security convex mirrors, a relationship without which it would be impossible to compose the image that emerges from them. The spectator continues to build the image himself in Anverso (Obverse). In it, there is a juxtaposition of fragmented images that build a whole image. Again, there is a stimulating element that pushes and urges us towards the work, towards participating in it.

With Ensayo para un objeto de deseo (Test For a Desire Object), Marmorek culminates her idea of creation by association between the artist, the work and the spectator. It is a praxinoscope, in which the spectator watches the image’s movement, producing a mental photographic construction.

Opening the doors to her cyclic speech, Besos Guardados (Keepsake Kisses) is an ongoing project in which the different meanings of a kiss are recollected in rest tubes that will later acquire the shapes of the described kiss. This way, the glass turns into the kiss itself in relics that are desire-objects.

In Espejos de vigilancia (Surveilance Mirrors), the art critic and curator Ricardo Arcos-Palma says, "Adriana Marmorek’s photographs become real objects in which the mirrored character opens a breach in front of our own desire, turned into a gaze.”  It is that mirrored space that takes a new dimension at NH Galeria, inviting us to enter a creation dream and offering a unique opportunity to experience live art in complete connection with the artist and our own being. 

Adriana Marmorek was born in Bogotá in 1969. She developed her career around publicity and television, from which she would later take certain elements to rethink through the artistic practice. She got her Masters in Plastic and Visual Arts from the Universidad Nacional de Colombia. Her work has been exhibited in several museums and institutions, not only on a national level, but also in countries such as Ecuador, Argentina, Italy, Belgium, Austria and the U.S. Her works are represented in several private and public collections. In 2007 she participated in the Salón de Arte Joven-Artecámara, and in 2010 she was nominated for the Premio Bienal de Arte de Bogotá. She represented Colombia in the art fair ARCO Madrid 2015.

PDF Catalogue

NIKI DE SAINT PHALLE: Escultura y Grabado
18 de enero a 27 de marzo de 2015

Niki de Saint Phalle: Escultura y Grabado es un viaje por la trayectoria y la última etapa de una de las artistas más prominentes de la Historia del Arte. A través de esta muestra, contemplamos la agudeza artística y la preocupación social y cultural de Saint Phalle por contribuir a un mundo mejor.

A través de un lenguaje fresco y perspicaz, y visualmente relacionado con la cultura pop y el Nuevo Realismo, Saint Phalle planteó temas fundamentales en la configuración de nuestro mundo contemporáneo. El rol de la mujer en la sociedad y en la Historia del Arte, la antítesis paz-violencia y las diversidad cultural son algunos de los temas tocados por el agudo imaginario de la artista.

California Nana Vase (Yellow), 2000 es una de sus Nanas, voluptuosas figuras femeninas que actúan como arquetipos de representación de sus ideas sobre la mujer en la sociedad moderna, y que pueden verse en ciudades y museos de todo el mundo. Su personal mundo de imaginativas criaturas que celebran la diversidad vital tiene sus referencias en los mitos humanos, la astronomía y la naturaleza, como Mandala (Blue and Green), 1997. Y en obras como Do You Like my New Dress (Brown) (Remembering), 1997, podemos contemplar su agudo análisis sobre la presión del mundo moderno por las apariencias, la moda y el sexo femenino, producto de su implicación en el movimiento feminista y sus lecturas de Simone de Beauvoir.

Escultora, pintora y cineasta autodidacta, su impresión en la Historia del Arte sigue hoy teniendo una dimensión extraordinaria. Con una vehemencia sin precedentes, supo equilibrar un mensaje reivindicativo e intenso con el lenguaje imaginativo de su mundo fantástico. En el catálogo de la reciente muestra de Saint Phalle en el Grand Palais en París, Catherine Francblin define su trabajo como historias sombrías envueltas en abrigos arco iris, una actitud vital y plástica que sigue conmoviendo y deslumbrando hoy en día.

La obra de Saint Phalle está representada en museos y colecciones públicas de todo el mundo. En el año 2000 recibió el Praemium Imperiale en Japón, el equivalente en el mundo del arte al Premio Nóbel. En 2014 se inauguró una gran retrospectiva de su obra en el Grand Palais de París, y en 2015 se inaugurará otro importante exposición retrospectiva en el Museo Guggenheim de Bilbao. Niki de Saint Phalle murió en La Jolla, California, en 2002, a la edad de 71 años. 

NIKI DE SAINT PHALLE: Sculpture and Prints
January 18 – March 27, 2015

Niki de Saint Phalle: Sculpture and Prints presents the work and last period of one of the most preeminent female artists. Through this exhibition, we contemplate the artistic insight and the social and cultural concerns of Saint Phalle about contributing to a better world.

Through a fresh and perceptive language, and visually connected to pop culture and New Realism, Saint Phalle proposed subjects that would be essential to the shaping of our contemporary world. Some of the subjects presented by the artist’s witty imagery are women’s role in society and Art History, the peace-violence antithesis, and cultural diversity.

California Nana Vase (Yellow), 2000 is one of her Nanas, voluptuous female figures that serve to represent the ideal archetype for women in modern society, and can be seen in cities and museums all over the world. Her personal world of imaginative creatures that celebrate vital diversity have their references in myths, astronomy and nature; such is the case of Mandala (Blue and Green), 1997. And in works such as Do You Like my New Dress (Brown) (Remembering), 1997, we see her clever analysis about the pressure of our modern world in its concern for appearance, fashion and female sex, a consequence of her involvement in the feminist movement and her readings of Simone de Beauvoir.

A self-taught sculptor, painter and filmmaker, her mark on Art History continues to have an extraordinary dimension. With an unparalelled vehemence, she combined a revolutionary and intense message with the imaginative language of her fantasy-world.   In the catalogue of Saint Phalle’s recent exhibition at the Grand Palais in Paris, Catherine Francblin defines her work as gloomy stories wrapped in rainbow coats, a vital and artistic attitude that continues to move and dazzle us nowadays.

Saint Phalle’s work is represented in numerous museums and public collections around the world. In 2000, she received the Praemium Imperiale en Japón, the equivalent in the art world to the Nobel Prize. In 2014, the Grand Palais held a major restropective exhibition of her work, and in 2015 the Guggenheim Museum in Bilbao will celebrate another important retrospective. Niki de Saint Phalle died in La Jolla, California in 2002, at the age of 71.

© 2015 Niki Charitable Art Foundation, todos los derechos reservados. Fotografia © Laura Pabst Maloney y Nohra Haime.

VALERIE HIRD: LOS CUATRO ELEMENTOS
Miércoles 17 de diciembre del 2014 - 14 de enero de 2015

In her new exhibition, Valerie Hird returns to the four elements of nature explored in her previous work, THE FIFTH DAY.  While that phase was devoted to the generation of those elements, this group describes their interaction in a timeless cycle of creation.

Hird depicts each element as a strand, interlacing itself with others and ultimately forming the Elemental Knot.  The body of work itself operates much like a strand within the larger series, proving indispensable to the resulting layers of complexity.  Valerie Hird’s imagery is the product of numerous trips through the Middle East, Central Asia and Latin America.  Merging her experiences with the symbols of various creation mythologies, she has spun a multi-dimensional cosmology of her own.  This amalgam is a complex and personal interpretation of enduring motifs, from the intertwined loops of Solomon’s Knot to the Islamic interlace patterns to the plaits of the Celtic crosses - even traces of the Chinese Yin and Yang can be discerned.

The scale of the content remains nimbly ambiguous, perpetually oscillating between macro and microscopic. In Matrix, elemental interplay is a tangled knot, both viscera and vista, which opens the door to species generation. In Mountain Bones, nature’s structures are a kind of skeleton, rising to act as a receptacle for what might be vegetation, or veins.

Using a suggestive language of colors, patterns and other recollections from Hird’s wanderings, origination forges a contemporary understanding of ancient concepts about the history of our universe. 

Valerie Hird graduated with a BFA from the Rhode Island School of Design and an MFA from Vermont College.  In 2008 she was granted an award from the Community Foundation of Vermont.  Hird has worked and travelled throughout the Middle East, Central Asia, and South America.  Likewise, she has exhibited widely in the United States and abroad.  Her work belongs to such public and corporate collections as The Rhode Island School of Design, Providence RI, The Fleming Museum, Burlington VT, The Exxon Corporation, Dallas, TX, and Pfizer Inc., among others.  Born in Massachusetts in 1955, Hird Moved to Vermont in 1979, where she currently lives and works.

ARTISTAS Y EL MUNDIAL
11 de junio- 13 de julio de 2014

Artistas de vanguardia crean ediciones de grabados especiales para el Mundial de 2014. Entre ellos, William Kentridge, Vik Muniz, Jean-Michel Basquiat y Gabriel Orozco. ARTISTAS Y EL MUNDIAL es una selección de 15 grabados de edición limitada sobre papel acuarela japonés, que se mostrará en NH Galería del 11 de junio al 13 de julio de 2014.

También participan en esta exposición importantes figuras de la historia del arte contemporáneo. Sao Paulo, de Fernand Léger, es memoria del artista en Brasil;  el mapa de este país del conceptual Nelson Leirner está cubierto de pelotas de futbol; y las obras de dos representantes de la cultura pop y callejera de los años 80, Jean Michel Basquiat y Keith Haring, son de un lenguaje desenfadado y enérgico.

Bycicle Kick, realizada para el Mundial de 2010 por el artista sudafricano William Kentridge, se reimprime para esta carpeta debido a la gran demanda que ha experimentado en los últimos años. Tanto Vik Muniz como James Rosenquist resaltan la conexión cultural de Brasil con el futbol en sus obras Football Player y  Brazil.

Allora y Calzadilla, quienes representaron a los Estados Unidos en la Bienal de Venecia, abordan el futbol con humor en su composición. El norteamericano Jeff Koons participa con su Pink Bow y el mexicano Gabriel Orozco con Blindside Run, de su conocida serie, Atomistas.

ARTISTAS Y EL MUNDIAL incluye igualmente a artistas jóvenes internacionales, como el grafitero brasileiro Nunca, cuyo trabajo está representado en colecciones institucionales a nivel mundial; o Hideaki Kawashima, discípulo de Yoshitomo Nara, y uno de los artistas japoneses del momento. El norteameriamericano Kehinde Wiley representa la nueva generación de Brasil con su retrato de un joven afrobrasilero sobre un fondo de colores opulentos.

Entre todos, crean una imagen rabiosamente contemporánea y vital de nuestra cultura actual, celebrando el ambiente festivo, intercultural y deportivo que viviremos en el verano de 2014.

FECHAS: 11 de junio– 13 de julio, 2014
COCTEL DE INAUGURACION: Miércoles 11 de junio de 6 a 8 p.m.
CONTACTO PARA MAYOR INFORMACION: Sara Angel o Alejandro Frieri 575-6640561 o nhgaleria@gmail.com

CONTEMPORARY ARTISTS AND THE WORLD CUP
June 11th - July 13th, 2014

Contemporary artists create a special edition of prints for the 2014 World Cup. Among them are William Kentridge, Vik Muniz, Jean-Michel Basquiat and Gabriel Orozco. CONTEMPORARY ARTISTS AND THE WORLD CUP is a selection of 15 limited edition prints on Japanese watercolor paper, that will be shown at NH Galeria from June 11th to July 13th, 2014.

In this exhibition are important figures of the history of contemporary art. Sao Paulo, by Fernand Léger, is an artist’s memory from Brazil; the map of this country by conceptual artist Nelson Leirner is covered in soccer balls; and the works of two representatives of the 80’s pop and street culture, Jean Michel Basquiat and Keith Haring, have a fresh and energetic visual language. 

Bycicle Kick, created for the 2010 World Cup by South African artist William Kentridge, is reprinted for this edition due to the high demand that it has experienced in the past few years. Vik Muniz and James Ronsequist emphasize the cultural connection of Brazil and soccer with their works Football Player and Brazil.

Allora y Calzadilla, who represented the United States in the Venice Biennale, refer to soccer in their composition with a sense of humor. American Jeff Koons participated with his Pink Bow and Mexican Gabriel Orozco with Blindside Run, from his series, Atomists.

CONTEMPORARY ARTISTS AND THE WORLD CUP includes as well young international artists such as the Brazilian graffiti artist Nunca, whose work is represented in international collections; or Hideaki Kawashima, mentee of Yoshitomo Nara, and one of the Japanese artists of the moment. American Kehinde Wiley depicts Brazil’s new generation with his portrait of a young Afro-Brazilian on a bright color background.

All together create a lively and fiercely contemporary picture of our culture, celebrating the festive, intercultural and sporting atmosphere that we will experience in the summer of 2014.

DATES: June 11th – July13th, 2014
OPENING RECEPTION: Wednesday, June 11th, from 6 to 8 p.m.
FOR MORE INFORMATION: Sara Angel o Alejandro Frieri 575-6640561 o nhgaleria@gmail.com

10 de abril – 31 de mayo de 2014

HUGO BASTIDAS: STORIES
29 de Noviembre de 2013 - 25 de enero de 2014

La  NH  Galeria  expondrá  una  serie  de  obras  del  aclamado  artista Hugo  Bastidas  a partir del 29 de Noviembre  de 2013. Esta recopilación de obras de entre el 2001 al 2010 representan  la diversidad de temas y conceptos  que Bastidas maneja. Según dice “hay un titulo inicial que reúne una serie de conceptos”  y de este punto inicia una búsqueda de representación  en una infinidad de material que ha ido recopilando  como libros, recortes, base de datos de imágenes. Luego usa los conceptos intelectuales y las impresiones de viajes, con los elementos adecuados e imágenes accidentales para lograr una relación entre ellos. 

Su  pintura  se  destaca  por  un  manejo  impecable  del  monocromo en donde logra pinceladas limpias precisas  que  le van dando forma a nuevas realidades en las que logra transmitir la esencia precisa del momento. Es una obra que no busca ser hiperrealista, por el contrario el uso del blanco y el negro le permite mantener un carácter abstracto según nos dice.

Para Bastidas sus obras hablan del ser humano y la forma en que resuelve su mundo desde una mirada externa, de la forma en que se relacionan los seres humanos con su entorno, su medio ambiente y su vida. Para el esa visión externa de la vida es algo  que  se  ve  en muchas culturas, incluso en esta cultura internacional homogenizada. Nos dice que pensamos mas en cambiar nuestro medio ambiente que en adaptarnos a el.

Hugo Bastidas  nace en Quito, Ecuador en 1956 y vive en Estados Unidos desde sus 4 años de edad, logra una formación única en el campo del arte, desde el Instituto Pratt hasta el M.F.A. Hunter College de New York. A lo largo de  su  carrera  se  hace  acreedor  de premios como  becario del  Robert Smithson Memorial,  la  beca “ATI”  del consulado de artes de New Jersey, Beca Fullbright, así como menciones honorificas reconocidas por su trabajo en las  artes. Su obra hace parte de colecciones publicas importantes en las que se destaca la Universidad de Yale, El museo de arte moderno de Santo Domingo, Museo del estado de New Jersey, Museo de arte de Fort Lauderdale, Museo  de Montclair NJ. Una extensa lista de exposiciones individuales y colectivas hacen parte de una trayectoria impecable.

HUGO BASTIDAS: STORIES
November 29, 2013 - January 25, 2014

NH Galeria will show a series of works by renowned artist Hugo Bastidas, starting November 29, 2013. This compilation of works, dated between 2001 to 2010, represent the diversity of themes and concepts approached by Bastidas.  In his own words, “there is an opening title that embraces a series of concepts”, and from this point on, he starts searching for representation in a vast number of materials that he has been compiling, such as books, newspaper cuts, image databases. Then, he uses the intellectual concepts and the impressions on his trips, with suitable elements and accidental images to create a relationship between them.

His paintings stand out for the impeccable use of monochromatic technique, in which he uses precise and clean brushstrokes that shape new realities in which he manages to communicate the exact essence of the moment. He does not look to be a hyperrealist; on the contrary, the use of black and white allows him to keep an abstract character.

For Bastidas, his works of art speak of the human being and the way in which we solve our world from an external point of view, of the way in which human beings relate to each other, to their environment, and their lives. For him, the external vision of life is something that we see in many cultures, even in our current standardized international culture. For him, we think more about changing our environment rather than adapting to it.

Hugo Bastidas was born in Quito, Ecuador, in 1956, and has been living in the US since he was 4 years old. He studied at the Pratt Institute and got his MFA at Hunter College, New York. Throughout his career, he has received awards from organizations such as the Robert Smithson Memorial, the Arts Consulate of New Jersey, the Fullbright Foundation, as well as mentions of honor for his work in the arts. His work is in important public art collections such as the Yale University, the Museum of Modern Art of Santo Domingo, the State Museum of New Jersey, the Art Museum of Fort Lauderdale, Montclair Museum in NJ.  He has an extensive list of individual and group shows are part of an impeccable trajectory. 

JAIME AVILA: METROS CUADRADOS
Viernes 23 de Agosto - 23 de noviembre de 2013

Entre los años 2001 y 2003 Jaime Ávila llevó a cabo un recorrido por diez ciudades del territorio continental de América Latina: Tijuana, Ciudad de México, Lima, Caracas, Quito, Sao Paulo, La Paz, Río De Janeiro, Buenos Aires y Bogotá. Tomando fotografías aéreas sobre el plano urbano, seleccionó  los sectores con crecimiento desmesurado de cada ciudad. La arquitectura compacta y salvaje de cada zona fue tomado como muestra de laboratorio y multiplicada miles de veces y estandarizadas como piezas de laboratorio  en materiales de  ingeniería.

Estas zonas de crecimiento inmanejable crearon la obra Diez metros cúbicos [2003], y Diez Metros Cuadrados [2004], la primera compuesta por diez mil cubos de cartón impresos  con las fotografías mencionadas y armados en una gran instalación a manera de diez bloques, cada uno de un metro cúbico, correspondiendo cada uno a una ciudad diferente, de la misma manera en la segunda pero con cien cubos, manifestando la misma construcción pero en un  área bidimensional, mostrando la misma construcción infinita, exponencial y ordenada del caos incuantificable en volumen e inmedible en su área; una geografía que pareciere ser la prótesis contemporánea  de la misma naturaleza.

Jaime Ávila Nace en Saboya, Colombia  en 1966, Sus estudios incluyen áreas como Ingeniería Civil en la universidad de los Andes 1988, Artes plásticas en 1991 y al siguiente año con la adición “Opción en literatura”. Con el ministerio de Cultura de Colombia y la embajada de estados Unidos participa en “USIA” Programa Internacional de Educación y Asuntos Culturales y en el 2005 es artista invitado por la Universidad de Harvard  y el David Rockefeller Center para Estudios Latinoamericanos en Cambridge, Massachusetts, USA. Inicia con una fuerte presencia en el medio Nacional obteniendo primero menciones en los salones de arte joven, para luego ganar gran reconocimiento a nivel internacional como primer premio IX Salón Internacional  de Arte MAC, representando a Colombia en la III Bienal de Liverpool, Inglaterra; y en la 26 Bienal de Sao Paulo, Brasil. Ávila ha participado en numerosas exposiciones en EEUU (Washington, New York, Miami, Houston, Florida, Boston, California), México, Inglaterra, España, Cuba, Brasil, Italia,  Argentina, Panamá. Expone actualmente en la Galeria Nueve Ochenta de Bogotá.
 

JAIME AVILA: SQUARE METERS
August 23 - November 23, 2013

Between 2001 and 2003, Jaime Ávila took an itinerary in ten cities of continental Latin America: Tijuana, Mexico City, Lima, Caracas, Quito, Sao Paulo, La Paz, Río de Janeiro, Buenos Aires and Bogotá.  Taking aerial photographs of the urban layout, he selected the areas with excessive growth of each city. The compact and wild architecture of each area was taken as a lab simple, and multiplied thousands of times, standardized as lab objects into engineering materials.

These areas of unmanageable growth created the work Ten Square Meters [2004], the first one made out of ten thousand cardboard squares printed with the aforementioned photographs, and built in a large installation in ten blocks, each of them of a square meter and corresponding to a different city. The second one followed the same structure but with ten blocks, manifesting the same construction but in a two dimension area, showing the same kind of infinite, exponential and organized construction of chaos, immeasurable in its area, and unquantifiable in volume; a geography that resembles a contemporary prosthesis of nature itself.

Jaime Ávila was born in Saboya, Colombia in 1966. He studied Civil Engineering at the Universidad de los Andes in 1988, and Fine Arts in 1991. He participated in “USIA”, International Program of Education and Cultural Affairs, and in 2005 he was an Invited Artist by the Harvard University and the David Rockefeller Center for Latin American Studies. He started with a strong local presence in the young artists’ salons, followed by an international recognition as first prize of the IX International Salon of Art MAC, representing Colombia in the III Biennial of Liverpool, England, and at the 26 edition of the Sao Paulo Biennial. Avila has exhibited is work in the United States (Washington,  New York,  Miami, Houston,  Florida, Boston and California),  México,  England, Spain, Cuba, Brazil,  Italy, Argentina and Panamá.

SOPHIA VARI: ACUARELAS Y COLLAGES
15 de Junio al 12 de agosto del 2013

Una exposición de obras en papel de Sophia Vari, quien enriqueció la ciudad de Cartagena con sus monumentales esculturas el pasado año nuevo, podrá ser vista en la NH Galería Cartagena del 15 de Junio al 12 de agosto.

Sophia Vari es especialmente reconocida por su escultura en bronce tanto monocromática como policromada. Sin embargo, buscando saciar su pasión artística de un modo más directo e inmediato, Vari ha vuelto a la primera dimensión con su nuevo trabajo en papel, que de manera sorprendente logra transmitir percepciones de profundidad y dimensiones múltiples.

A través de esta obra en papel se capta el lado más crudo y humano de la artista que con expresas imperfecciones de bordes ásperos y dimensiones asimétricas resaltan una calidad pasional que se contrasta con la impecabilidad de sus esculturas. Vari dice que su trabajo en papel representa renovación y expresión instintiva. Una capa fluye sobre la otra y todas interactúan entre ellas sin tantas preconcepciones. El uso del color le otorga profundidad a esta obra, ya que juega con el contraste y la concordancia.

Como en su obra tridimensional, Vari explora la forma y el balance, en este caso, de una manera más experimental la cual le permite expresarse libremente. Las numerosas capas apreciadas en su trabajo reflejan las capas que cubren las verdades más profundas. Su trabajo en papel tiene un componente aventurero y sensual.

Vari se inspira parcialmente en su cultura nativa Griega y su conocimiento del arte occidental. Sus composiciones en papel invitan al observador a buscar significados ocultos. Como un rompecabezas inconcluso, esta obra intriga por su apariencia lógica y ordenada que no es sino un trompe l'oeil de imperfecciones restauradoras.

Su búsqueda de la armonía se siente a través de estos papeles de gran presencia. En ella, formas y figuras, recortes y sombras se entrelazan y se conectan únicamente por el espacio que comparten.

Nacida en Atenas, Sophia Vari cursó estudios en L'École des Beaux Arts de Paris donde obtuvo su diploma en 1958. Su trabajo ha sido exhibido alrededor del mundo en casi 100 exhibiciones individuales. Exposiciones en museos incluyen el Palazzo Vecchio de Florencia, el Palazzo Bricherassio en Torino y el Ludwig Museum en Kombletz, entre otros. Exposiciones individuales al aire libre han tenido lugar en Paris, Roma, Montecarlo, Baden Baden en Ginebra, Pietrasanta en Italia, Atenas y mas recientemente en Madrid. Selectas colecciones incluyen La Ciudad de Paris, la Pinacoteca Nacional de Atenas y el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

SOPHIA VARI: Watercolors and Collages
June 15 – August 12, 2013

An exhibition of works on paper by Sophia Vari, who enriched the city of Cartagena with her monumental sculptures last new year, may be seen in the NH Gallery, in Cartagena from June 15 to August 12 .

Sophia Vari is especially known for her monochrome and polychrome bronze sculpture. However, seeking to satisfy her artistic passion of in a more direct and immediate, Vari has returned to the first dimension with her new work on paper, which surprisingly manages to transmit perceptions of depth and multiple dimensions.

Through this work on paper, the rawer and human side of the artist that captures explicit imperfections, with rough edges and asymmetrical dimensions, which highlight a passionate quality that contrasts with the impeccability of her sculptures. Vari says her work on paper represents renewal and an instinctive expression. A layer flows over the other, and they all interact with each other without many preconceptions. The use of color gives depth to this work, by playing with contrast and matching.

As in her three-dimensional work, Vari explores the shape and balance, in this case, in a more experimental way which allows her to express herself freely. Her use of several layers of paint in her work reflects the covering of a deeper truth. His work on paper has an adventurous and sensual component.

Vari is partly inspired by their native Greek culture and knowledge of Western art. Her compositions invite the observer role to look for hidden meanings. As an unfinished puzzle, this book intrigues by its logical and tidy appearance that is no more than a trompe l' oeil of restorative imperfections.

Her search for harmony is felt through these papers of great presence. In them, forms and shapes, cuts and shades are intertwined and connected only by the space they share.

Born in Athens, Sophia Vari studied at L' Ecole des Beaux Arts in Paris where he obtained his diploma in 1958. Their work has been exhibited around the world in nearly 100 solo exhibitions. Museum exhibits include the Palazzo Vecchio in Florence, the Palazzo Bricherassio in Torino and the Ludwig Museum in Kombletz, among others. Solo exhibitions outdoors have taken place in Paris, Rome, Monte Carlo, and Baden Baden in Geneva, Pietrasanta in Italy, Athens and more recently in Madrid. Selected collections include The City of Paris, the National Gallery of Athens and the Museum of Modern Art in New York.

SOPHIA VARI: ESCULTURA Y OBRA EN TELA
15 de Marzo – 15 de Mayo 2013

ESCULTURA Y OBRA EN TELA, exhibición de la artista Sophia Vari, compuesta por selectas acuarelas y esculturas en bronce que dialogan entre sí, se inaugurará en NH Galería el 15 de marzo.

Rigor, proporción y movimiento componen el vocabulario elemental de Vari. Formas y símbolos se funden en composiciones complejas que proyectan un balance entre lo abstracto y representativo. La escultura de Vari responde a la interacción de la materia, el volumen y el espacio y según cómo reacciona y se adapta el bronce, surgen sus formas y límites. Planos geométricos y orgánicos y líneas que empiezan a ser y dejan de serlo, unen y separan, interactúan rítmicamente. Geometría y anatomía se conjugan para recrear formas anatómicas. Líneas cóncavas y convexas evocan los cachos y músculos de El Toro, 2008.

En sus acuarelas, los motivos se  reducen a formas básicas - rectángulos, círculos y semicírculos – superpuestas que sugieren una ilusión de espacio y movimiento. Existe una tensión formal entre la línea recta y curva. En Nuit Rouge (Noche Roja), 2011, planos geométricos en color rojo y blanco se funden unos con otros. Formas delineadas en color negro enfatizan la simetría y proporción de la composición. Los títulos de sus lienzos - Douceur de Vivre (Dulzura de Vivir), I Love Passion (Amo la Pasión), I Love Light (Amo la Luz)- hacen referencia a la realidad de la artista; son su  respuesta a la armonía entre el hombre y su entorno.

La conexión formal de las obras que conforman esta muestra – la interacción del volumen y espacio, lo expresivo y lírico y lo dinámico y estático – permiten al espectador introducirse en la estética y concepción de Vari.

Nacida en Atenas, Sophia Vari cursó estudios en L’École des Beaux Arts de Paris donde obtuvo su diploma en 1958. Su trabajo ha sido exhibido alrededor del mundo en casi 100 exhibiciones individuales. Exposiciones en museos incluyen el Palazzo Vecchio de Florencia, el Palazzo Bricherassio en Torino y el Ludwig Museum en Kombletz, entre otros. Exposiciones individuales al aire libre han tenido lugar en Paris, Roma, Montecarlo, Baden-Baden en Ginebra, Pietrasanta en Italia, Atenas, Madrid, Cartagena de Indias, y mas recientemente en Genova. Selectas colecciones incluyen La Ciudad de Paris, la Pinacoteca Nacional de Atenas y el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

SOPHIA VARI: Sculpture and works ON CANVAS
March 15 – May 15, 2013

SCULTURE AND WORKSON CANVAS, display artist Sophia Vari, composed of selected watercolors and bronze sculptures that dialogue between each other, , will open in NH Gallery on March 15 .

Rigor, proportion and movement compose the elementary vocabulary of Vari. Shapes and symbols merge into complex compositions that project a balance between the abstract and representative. Vari’s sculpture responds to the interaction of matter, volume and space and depending on how it reacts and adapts to the bronze, limits and shapes emerge. Geometric and organic planes and lines that begin to be and cease to be, attached and detached interact rhythmically. Geometry and anatomy is combining to recreate anatomical shapes. Concave and convex lines evoke the horns and muscles of El Toro, 2008.

In her watercolors, motives are reduced to basic forms - rectangles, circles and semicircles – overlapping, suggesting an illusion of space and movement. There is a formal tension between the straight line and curve. In Nuit Rouge (Red Night), 2011, geometric plans in red and white blend with each other. Forms outlined in black emphasize the symmetry and proportion of the composition. The titles of her paintings - Douceur de Vivre (Sweetness of Life), I Love Passion, I Love Light - refer to the reality of the artist; are their response to the harmony between man and his environment.

The formal connection of the works in this exhibition - the interaction of volume and space, the expressive and lyrical and the dynamic and static - allow the viewer to enter the aesthetic and design of Vari.

Born in Athens, Sophia Vari studied at L' Ecole des Beaux Arts in Paris where he obtained his diploma in 1958. Their work has been exhibited around the world in nearly 100 solo exhibitions. Museum exhibits include the Palazzo Vecchio in Florence, the Palazzo Bricherassio in Torino and the Ludwig Museum in Kombletz, among others. Solo exhibitions outdoors have taken place in Paris , Rome , Monte Carlo, Baden -Baden in Geneva, Pietrasanta in Italy , Athens , Madrid, Cartagena de Indias, and more recently in Genova . Selected collections include The City of Paris, the National Gallery of Athens and the Museum of Modern Art in New York.

RUBY RUMIE: GETSEMANI: SUJETO - OBJETO
17 de Agosto - 17 de Octubre del 2012

RUBY RUMIE: GETSEMANI: SUJETO - OBJETO, 1998-2008, es una propuesta multimedia que combina fotografía, video y pintura, haciendo referencia a los procesos de gentrificación* que padece el histórico barrio de Getsemaní.  La muestra permanecerá abierta al público en la NH Galería de Cartagena de Indias, desde el 17 de Agosto hasta el 17 de Octubre del 2012.

En este proyecto Rumié investiga la trama humana de Getsemaní, barrio colonial y popular de Cartagena de Indias, Colombia, que se encuentra en peligro de transformación como consecuencia del desarrollo urbanístico y la especulación inmobiliaria. Por medio de un censo y registro fotográfico, Rumié nos revela los habitantes del barrio, que eventualmente serán desplazados y dispersados, perdiendo así sus tradiciones, costumbres, cotidianeidad, solidaridad social y memoria colectiva.

El resultado es una colección de imágenes que con un extraordinario rigor técnico y formal, invitan a reflexionar sobre la riqueza intangible de esta comunidad.

Rumié crea entonces - a partir de diversos discursos - un espacio físico y virtual donde expone nociones de ambición, utopía urbanística, vulnerabilidad y fragilidad.

Como eje central de la exposición, está la obra Cincomilnovecientosetenta, 2003 - 2007. Esta pieza es una instalación de nueve metros compuesta de pequeños fragmentos que a manera de censo, representa las siluetas de cada habitante del barrio pintados con laca sobre acrílicos y resina. 

En Código de Barrio, 2007, vemos las figuras de los vecinos pintadas formando un políptico de 30 elementos verticales paralelos, que reproducen un código de barra. Caminantes, 2003-2007, constituye un conjunto de imágenes de los vecinos impresas sobre 62 cajas de gran tamaño, que hacen referencia a empaques de consumo masivo. El espectador invade el espacio vital de estas personas, al desplazarse por entre dichas cajas instaladas en forma de procesión.

Proyecciones, 2003-2007, presenta rostros y manos de niños, jóvenes, adultos y ancianos, proyectados sobre un muro. A través de estas imágenes, Rumié devuelve la identidad e integridad a cada uno de los habitantes del barrio y los rescata de la indiferencia y el olvido.

Como corolario a la contemplación de cada obra, los Objetos dejan de serlo para convertirse en Sujetos.

Mesa redonda: Getsemaní, cinco minutos de gracia.
NH Galería, martes 21 de agosto de 6 a 8 p.m.

Esta mesa redonda contará con un grupo multidisciplinario que ofrecerá sus puntos de vista particulares en torno al proceso de gentrificación que hace una década vive el barrio de Getsemaní. 

Contaremos con la participación de la Historiadora María Teresa Ripoll, la Antropóloga Catalina Cortés, el Arquitecto Restaurador Álvaro Barrera, el Especialista en Organización para la participación comunitaria Miguel Caballero, el Economista Alberto Abello y Ruby Rumié, como artista visual gestora del proyecto.

Entrega de cajas: Plaza de la Trinidad, Barrio de Getsemaní, jueves 18 de octubre de 6 a 8 p.m.
Ruby Rumié entregará las cajas impresas a los habitantes de su cuadra.

Ruby Rumié realizó estudios de pintura, dibujo y escultura en la Escuela de Bellas Artes de Cartagena de Indias (1980-1982), la Academia de David Manzur en Bogotá (1977-80) y ha participado en múltiples talleres, con artistas como Ma. Teresa Hincapié, Eugenio Dittborn, Fabián Rendón y Jean Pierre Accoult.  Desde 1989 hasta 1996 trabajó la pintura hiperrealista dedicándose a visibilizar por medio de retratos a personajes autóctonos de la ciudad de Cartagena de Indias. Luego rompe con la academia y se encamina hacia un trabajo con un claro enfoque hacia la problemática social, patrimonial y territorial, cuestionando el compromiso del artista dentro de la sociedad.

*Gentrificación (del inglés, gentrification) es un proceso de transformación urbana en el que la población original de un sector o barrio deteriorado y con pauperismo es progresivamente desplazada por otra de un mayor nivel adquisitivo a la vez que se renueva.

RUBY RUMIE: GETSEMANI: SUBJECT OBJECT 1998-2008
August 17 - October 16, 2012

RUBY RUMIE: GETSEMANI: SUBJECT-OBJECT, 1998-2008, a multimedia proposal comprised of photography, video and painting,that deals with the undergoing gentrification* process in the historical town of Getsemaní, Cartagena de Indias, Colombia. The exhibition will be on view at NH Galería from August 17th through October 17th, 2012.

In this project Rumié investigates the collective trauma of Getsemaní, a poor Colonial neighborhood in danger of transformation as a consequence of urban development. Through a personally conducted census and photographic registry, Rumié reveals the neighborhood inhabitants that will eventually be displaced and dispersed, thus breaching their traditions, customs, everyday routines, social solidarity and collective memory.

The result is a collection of images with an extraordinary formal and technical rigour. The viewer is invited to reflect upon the intangible richness of this community which is about to disappear. Rumié then creates – by means of various discourses– a physical and virtual space that portrays notions of ambition, urban utopia, vulnerability and fragility.

Cincomilnovecientosetenta, 2003-2007, the central focus of the exhibition, is a 30 ft. long installation composed of small acrylic and resin fragments. Silhouettes are painted in lacquer to represent each and everyone of the people living in the neighborhood.

In Código de Barrio, 2007, the neighborhood residents’ figures are painted on vertical wooden panels forming a barcodelike composition. Caminantes, 2003-2007, composed of 62 vertical boxes with each resident’s image on a box, referencing industrialized packaging. Thus, as the spectator walks through these box-characters installed in a procession-like manner the vital space of these people is invaded. Proyecciones, 2003-2007, depicts faces and hands of children, youngsters, adults and elders, projected on a wall. Through these images, Rumié returns each resident’s identity and integrity, and rescues them from indifference and oblivion. At the end, like in an epiphany, we witness the transformation of Objects into Subjects.

Panel Discussion: Getsemani – Five Minutes of Grace: NH Galería, Tuesday, August 21st from 6 to 8 p.m.

A multidisciplinary panel of experts will offer their personal point of view on the undergoing gentrification process in the town of Getsemaní. Panelists include Maria Teresa Ripoll, Historian, Catalina Cortés, Anthropologist, Alvaro Barrera, Architect and Restorer, Miguel Caballero, expert in Community Outreach, Alberto Abello, Economist, and Ruby Rumie, artist and accountable for the project.

Distribution of Boxes: Plaza de la Trinidad, Town of Getsemaní, Thursday, October 18th from 6 to 8 p.m. Rumié will distribute printed boxes to the inhabitants of her block.